QIFU
El pasado viernes, tuvimos un ameno encuentro en la Galería Aural, con el artista Juan Carlos Nadal, que acutalmente expone su “gestual” obra llamada QIFU. El artista alicantino, licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, cuenta con una admirable trayectoria artística, sus obras han recorrido tanto espacios nacionales como internacionales.
QIFU, que es la definición china para designar al movimiento ondulado del pincel, es a su vez el perfecto nombre elegido por el artista para explicar su obra actual, protagonizada por el “gesto”. La experimental colección, compuesta por obra pictórica y escultórica, está caracterizada por un magnifico uso del grafismo, en el que predominan colores como el blanco, el negro o el gris, con algunos toques de colores fuertes, pero siempre en mate; todo ello sin abandonar el monocromatismo y la sobriedad.
Si en pocas palabras tuviéramos que describir lo allí percibido, brotarían palabras como movimiento, energía, y libertad, además de demostrar una fuerte destreza en el manejo de la brocha, logrando plasmar una profundidad y dimensión que atrapa al visitante de forma espectacular.
En la actualidad contamos con multitud de estilos artísticos, distintas formas creativas y magníficos resultados visuales conseguidos por diversos artistas que desarrollan la expresividad del arte. A diferencia de la publicidad, el trabajo de la mayoría de los artistas se manifiesta desinteresado, sin objetivo comercial alguno. Sin embargo, publicidad y arte, aunque sean muy diferentes se esfuerzan para conseguir que fluya algo fundamental, la creatividad.
Juan Carlos Nadal, debe la esencia actual de QIFU al fruto de su propio bagaje artístico, anteriormente nos deleitaba con trabajos que aún siendo figurativos ya demostraban una antesala de la obra actual, y en la que deja ver como lleva intrínseco su estilo propio, la expresión de la libertad y precisión para congelar el movimiento. Movimiento que se consigue mediante la “coreografía” del artista en el momento de trabajo.
La verdadera libertad de un artista a la hora de trabajar, se basa en un arte que no es pretencioso ni interesado, y que florece bajo nula presión, 13 seductoras obras son el fruto de esa libertad ofrecida por Juan Carlos Nadal.
Pictovids
Ayer tuvimos el placer de visitar la Galería Aural y ver su nueva exposición “Pictovids“, el sueño del artista Santi Delgado, quien muy amablemente se reunió con nosotros para contarnos un poquito más sobre esta fantástica obra. Se formó en el California Institute of Arts, en la especialidad de Teoría Crítica y Producción Videográfica. Su investigación artística se centra en los lenguajes videográficos y pictóricos.
Es una exposición diferente, innovadora y sorprendente, algo que por lo menos nosotros no habíamos visto. El artista nos muestra la manera de engranar la pintura con los nuevos recursos tecnológicos, llegando así a crear obras videopictóricas. Intenta romper con la narrativa convencional y con la pintura, llegando a conseguir cuadros en movimiento.
El mundo del arte está lleno de artistas, nos gustarán más o menos, pero todos tienen su esencia, tienen algo que contarnos. Quizá lo importante está en la manera que elijan para hacerlo. La mayoría de artistas no buscan la fama, ni quieren llegar a ocupar portadas de periódicos, simplemente quieren que las personas disfrutemos de su arte, va más allá de un simple trabajo, es una pasión, un modo de vida.
Como comentábamos ayer, un artista debe tener medio cuerpo teórico y medio práctico, ya que saber la teoría es la base, pero para que no nos quedemos con una obra vacía, debemos darle movimiento, y Santi Delgado así lo ha hecho.
Presenta en esta muestra un total de 17 vídeos en pantallas planas de edición única, con la excepción de uno de los vídeos que pretende no vender sino regalar a aquellos que estén interesados en este trabajo. Los interesados podrán dejar sus datos en un libro de visitas durante el periodo de exposición en la galería, o si lo prefieren, solicitarlo a la galería por correo electrónico galeriaural@gmail.com o a través de la web.
La expresión del arte urbano
El arte urbano engloba a todo arte que se expresa en la calle, y describe el trabajo de personas que han desarrollado un modo de expresión artística mediante el uso de diversas técnicas, en una nueva forma de comunicación a través del texto, el contenido y la opinión social. Algunas personas piensan que es una manera de ensuciar zonas públicas, pero con el post de hoy pretendemos cambiar esa opinión que ya casi está erradicada.
El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos muy transitados, pretende sorprender a los espectadores y suele tener un mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Algunos de sus exponentes más reconocidos son Banksy, Shepard Fairey, Blek le Rat, Bloo and Titi.
El Museo Internacional de arte moderno y contemporáneo Tate Modern de Londres ha realizado varias exposiciones de arte urbano, a él se han unido muchos más museos alrededor del mundo.
Hoy nos paramos en un hombre que realiza verdaderas obras de arte en el las aceras de las ciudades o en sus carreteras. No importa el lugar, porque cuando él pinta, se convierte en maravilloso. Os hablamos de Julian Beever, autor de numerosas pinturas, artista y publicista británico que se dedica a dibujar con tizas y realizar diseños en 3D utilizando el método de la anamorfosis y creando ilusiones ópticas increíbles.
Sus trabajos a pie de calle, en lugares emblemáticos y transitados, han servido también para que muchas empresas y marcas utilicen su trabajo como estrategia de marketing y parte de un espectáculo creativo para generar impactos y experiencias emocionales en clientes y consumidores.
A continuación os mostramos varias de sus obras para que veáis el resultado.
“Post-it War”
Empieza el verano, y nos acordamos de una divertida “guerra” que empezó en julio del año pasado en una empresa francesa, la “Post-it war”.
La primera empresa en crear personajes con post-it fue la empresa de videojuegos Ubisoft, que dibujó las criaturas del videojuego Space Invaders en su fachada. Unos días más tarde, los empleados de la empresa vecina, el banco BNP, decidieron replicar y dibujaron el cañón de este mismo videojuego que sirve para destruir a las criaturas. Así se declaró la primera guerra de Post-it.
Poco a poco se unieron empresas de otras ciudades y de otros países. Personajes de videojuegos como los famosos Mario o Packman, o personajes de cómics, como Tintín, Obelix y Asterix fueron pegados en las paredes, creando obras gigantescas.
¿Esta lúdica guerra reduce la productividad de los empleados? No lo creemos, ayuda en crear una atmosfera amistosa no sólo internamente, sino también en las empresas participantes. Los trabajadores conocen mejor a sus compañeros y participan de una actividad extra profesional divertida, lo que favorece también la producción de nuevas ideas. Para ciertos periódicos, la “Post-it war” podría ser una buena herramienta de medida para el buen ambiente en una empresa.
El fenómeno ya ha perdido importancia, pero existe una página en Facebook con más de 59.000 fans.
La sociedad 3M, fabricante de los Post-it, no utilizó la guerra para intentar promover su producto. Pero este proyecto dio la idea para muchos más, es lo que lograron hacer 25 animadores de Sao Paulo para la Galería Melissa y el lanzamiento de la colección “Melissa Power of Love“. Utilizando 350.000 papelitos crearon una animación en stop motion impresionante.
Con tan poco se pueden conseguir cosas grandes. Post-it war, Post-it y Stop motion; y vosotros, ¿tenéis ideas para crear nuevas formas de “Post-it art”?
Wallpeople: Una galería de arte al aire libre…
El pasado 9 de junio tuvo lugar el evento Wallpeople. Celebrado en 25 ciudades del mundo; se convierte en la tercera edición de este proyecto colaborativo de arte urbano, nacido en Barcelona.
Personas de distintas edades, profesiones y nacionalidades, estaban invitadas a participar en esta especial exposición. Las calles se transformaron en galerías de arte, y la gente podía aportar su creación propia y colgarla en una de las paredes reservadas para el evento.
El objetivo, era expresar de manera libre ideas a través del arte, creando “obras callejeras irrepetibles gracias a las aportaciones de todos los participantes”. El eslogan “Express Yourself” refleja la necesidad de expresarse y compartir ideas y creatividad.
Para los organizadores una de las razones de ser de Wallpeople es “devolver el arte a las calles y reivindicar el espacio público como medio de expresión y de interacción ciudadana”.
Las creaciones podían ser en cualquier formato, sin ser superior a 1m x 1m, utilizando cualquier técnica, como pintura, foto, collage, dibujo, escritura, etc… y tratando de cualquier asunto. La única obligación era que las creaciones pudieran ser colgadas en una pared con cinta adhesiva.
Se podían localizar los lugares y horarios del evento en su página oficial de Facebook. Para participar, simplemente había que presentarse en el sitio a la hora indicada, y presentar una o varias creaciones. Puesto que era una acción efímera, la duración del evento era de aproximadamente dos horas. Una vez que todas las obras estaban colgadas y se había podido contemplar el resultado final, cada participante podía recuperar su creación o cambiarla con otro artista para transformar el evento en una experiencia interactiva.
A través de este proyecto cultural, los organizadores lograron hacer que centenares de personas de horizontes distintos se encontraron con el fin de crear, expresar y compartir. La acción ha permitido poner colores en las calles y crear museos al aire libre.
Reconstrucción
El pasado 5 de mayo, la Galería Aural inauguró la primera exposición individual de Isaac Montoya en esta galería. Nuestro compañero Ángel Castellanos estuvo realizando unas fotografías, y con su visión, hemos querido realizar este post.
Lleva como título “Reconstrucción” y la componen obras fotográficas, a las que el autor ha dado su particular visión de la situación mundial actual.
“Reconstrucción” no es tanto una crítica, es un reflejo del espíritu humano, en sociedad, ante tiempos convulsos de crisis y catástrofes. Cómo las sociedades se aferran a las cosas más increíbles, como la religión o el dinero; dejando de lado el drama humano individual (y no tan individual). Aunque es precisamente este comportamiento, “se hunde el barco”, el que se convierte en un drama, una “vergüenza”, pero una realidad.
Pueblos que, ante la tragedia, se aferran a un Dios cristiano, sociedades que ponen toda su confianza en el capitalismo más feroz, y otras que se dejan morir con la esperanza de renacer de sus cenizas con un sistema nuevo; lejos del podrido sistema actual.
Isaac Montoya nos trae su particular visión de la naturaleza humana diversa, en gran formato y con gran talento.
Si bajamos las estupendas escaleras de hormigón, con mensaje oculto en sus escalones, de la Galería Aural, llegaremos a la segunda parte de este mundo Isaac Montoya. Nos adentramos en la penumbra, como si de un sótano secreto de fantasía se tratara. Cogemos unas gafas especiales mediofuturistas-medioretro de filtros rojo y azul. A nuestro alrededor, hay imágenes vivas, de colores neón, en las que apreciamos dibujos de Carnaval, alegres, festivos… Pero si los miramos a través de nuestras gafas “futu-retro” podremos ver que la realidad es diferente.
La sociedad fabrica cortinas de fiesta y jaleo para esconder, para evadirse, para meter la cabeza en la tierra, de la verdad que están viviendo. No os diré que se puede ver en esos dibujos de “Carnivalismo”, quiero que lo descubráis vosotros.
La técnica asombrosa con la que Isaac Montoya crea estas imágenes no es algo que se pueda dejar pasar. Pero, incluso, lo ha llevado más lejos y, durante dos años, ha trabajado en un vídeo con esta técnica. La dificultad y el arte con los que están creados valen una larga visita a la Galería Aural.Totalmente recomendable. Absolutamente indispensable.
Isaac Montoya acompañado por Begoña Martínez, propietaria de la Galería Aural.
Los Metaversos
Del 12 al 14 de septiembre de 2012 tendrá lugar en Ibiza el “IV Congreso Internacional Metaversos y Web 3D”. Este congreso pretende, “ofrecer una visión global de las tecnologías y aplicaciones 3D del siglo XXI”, y para ello han creado una feria internacional denominada 3Dweek-CIM.
Los metaversos son recreaciones virtuales de espacios reales, para que el usuario de Internet pueda moverse e interactuar, como si de verdad estuviera ahí. Un ejemplo de ello, es la recreación de la Ópera de Rennes. Sin estar en ella; podremos entrar, comprar nuestra entrada, encontrar nuestro asiento, sentarnos y disfrutar de la ópera. Aunque la finalidad más útil de estos metaversos son sus aplicaciones al mundo de la universidad, organismos públicos y administraciones; pudiendo asistir a clases virtuales desde el otro lado del mundo, y pudiendo tramitar solicitudes, papeles y tributos a través de nuestro ordenador, con la misma facilidad que tendríamos si estuviéramos directamente en el edificio.
Los metaversos reconstruyen espacios reales; como ciudades o edificios, en dibujos tridimensionales. En estos mundos virtuales, los usuarios pueden interactuar socialmente y económicamente, a través de avatares que les representan.
Existen distintos metaversos con finalidades diversas. Uno de los metaversos más famosos es Second Life, una plataforma en la que el usuario se crea un avatar que evoluciona en un mundo virtual, parecido al mundo real. El avatar puede conocer a otros avatares, comprar, trabajar, divertirse…como en la vida real.
Otro ejemplo es el de “Google Art Project” que tiene por objetivo, democratizar el acceso al arte. A través de Internet se puede visitar virtualmente 51 museos en el mundo y consultar más de 30.000 obras. Es lo que ha intentado también la Ópera de Rennes en Francia con el proyecto “Ópera Bis”. Se reprodujo la ópera en dibujos tridimensionales; y a través de Second Life, se podía asistir a varios conciertos en directo, desde casa.
En conclusión, el futuro se aplica al presente, y gracias a estos metaversos, podemos estar en todas partes a la vez y gestionar nuestras obligaciones desde nuestro sillón de casa. Ya no hay excusa para no ir de vacaciones. Así que, señoras y señores pónganse cómodos y disfruten del viaje virtual.
Os mostramos varios ejemplos,
Google Art Project
El 3 de abril, Google presentó en el Museo d’Orsay de Paris, la segunda versión de Google Art Project. A principios de 2011, lanzó la primera fase del proyecto, donde se colgaron en red alrededor de 1000 obras de arte de 17 museos del mundo.
En tan solo un año, se multiplicó por treinta el número de obras disponibles. Ahora, gracias a Art Project se pueden descubrir más de 30.000 obras de 151 museos. Las obras, son tanto de pintura clásica y contemporánea, como de escultura, cerámica o litografía.
Entre los museos que participan destacamos, MoMA Nueva York, The National Gallery de Londres y el Museo Van Gogh de Ámsterdam.
Cinco centros españoles se han unido a los dos ya presentes en 2011, el Museo Reina Sofía y el Museo Thyssen-Bornemisza. Participan en esta segunda fase, el Museu Nacional d’Art de Catalunya, el IVAM, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museu Art Nouveau y Art Déco Casa Lis, además de la Fundación Banco Santander.
Una de las grandes novedades de esta nueva versión, es el uso de una tecnología de captura en giga píxeles; así, se obtiene una calidad de imagen mil veces superior a la de una cámara clásica. 46 obras tienen esta resolución y se podrán apreciar gracias a una opción de zoom muy potente. Además, Art Project permite encontrar información sobre los artistas.
Un punto interesante es que se puede visitar 51 museos a través de la herramienta Museum view, y observar 300 salas de museos en los que nunca hemos estado.
El objetivo de este proyecto, es democratizar el acceso al arte. Cada museo o institución puede elegir cuales son las obras que quiere ceder para su libre consulta. Los usuarios pueden explorar las colecciones por artistas, por museo o por el nombre de la obra.
Esta iniciativa seguirá creciendo, incluyendo poco a poco nuevas obras de museos del mundo entero.
María Zarazúa “Parte de ti”
Este fin de semana el equipo de Símbolo ha tenido el placer de asistir a la nueva exposición de la Galería Aural, titulada “Parte de ti”; obra de la fotógrafa María Zarazúa, una madrileña fascinada con el mundo de los gemelos, y con la idea de pensar que existen personas iguales en apariencia, pero que en realidad su carácter es totalmente distinto.
La exposición recoge 20 fotografías tomadas por la artista a varias parejas de gemelos, donde encontramos, de todas las edades, y de todos los tipos; éstos, concretaban una cita con María, y se fotografiaban tal cual son, sin ningún tipo de retoque. Es increíble ver como dos personas que son idénticas, en realidad, puede que no tengan nada que ver.
Las fotografías han generado tanta expectación, que muchas publicaciones se han hecho eco de ellas.
María Zarazúa y su obra, pretenden recorrer algunas de las principales galerías de nuestro país, mostrando su trabajo al público. Su objetivo es poder ver la evolución de los gemelos cuando ya sean más mayores, y así, poder crear una exposición del “antes” y el “después”; además, no descarta abrir fronteras.
El equipo de Símbolo estuvo acompañado por la periodista Ángeles Ruiz y el estilista Michel Maurice Orts; además, tuvimos el placer de charlar con la artista.
Publicidad y Arte = Marketing de Guerrilla
Mucha gente se pregunta si la publicidad, o la creación de los anuncios llevan implícita la palabra arte, y nosotros opinamos con rotundidad que es así, bueno, por lo menos para nosotros sí lo es.
La publicidad es un arte, implica saber crear, crear algo a los ojos del público, como una obra. El marketing de guerrilla lo consigue, consigue que nos quedemos impresionados, ya sea de manera positiva o negativa, pero impresionados de ver algo que nos ha impactado, que nos ha entrado por los ojos, como cuando ves un cuadro en un museo.
Hoy en día, muchas marcas apuestan por este tipo de marketing, ya que es uno de los que más llama la atención del público, y lo hace, porque es un mensaje directo, y sobre todo con mucha fuerza; consigue con un solo impacto que recordemos en nuestras retinas esa imagen. Hacemos mención a casos como el de Ikea, donde se convertían paradas de autobús, en estancias de casas; o el de Frontline, que convertía el bullicio de un centro comercial y la perspectiva de la imagen, en un perro con pulgas.
El secreto, lo encontramos en la creatividad que una persona puede tener, para saber utilizar medios, espacios, situaciones y elementos del entorno, y convertirlos en algo que sorprenda.
En definitiva, creemos que el mundo de la publicidad, aunque sea criticado en algunas ocasiones por una parte de nuestra sociedad, tiene elementos muy interesantes, como es el hecho de que conlleve aires artísticos, y esto es digno de mención; no todo el mundo sabe de imaginación, no todo el mundo sabe de creatividad, y lo que es más todavía, no todo el mundo sabe crear algo que sorprenda, impacte y además, sea toda una obra de arte.
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